EL TEATRO ISABELINO

Entre 1562 y 1642, el teatro isabelino marcó el apogeo del teatro inglés con características muy marcadas. Dramaturgos como Shakespeare, Marlowe o Fletcher fueron de los más destacados. Los espectáculos se realizaban por la tarde en teatros o terrenos al aire libre y los que se hacían en el interior eran a la luz de las velas, pero en ambos casos actores y público compartían la misma iluminación. Los decorados eran mínimos, ya que los espectáculos se hacían en la calle, y actuaban en graneros, casas de familia, casas de nobles, en la parte trasera de los carros o en las plazas de las ciudades. Los teatros con estructuras permanentes gozaban de audiencia en todos los lados del escenario y las piezas de decorado eran mínimalistas (unas simples cortinas o un fondo de madera pintado).

Los actores creaban los efectos de sonido (ruido de lluvia, cañones) y muchos de ellos también eran músicos o cantantes, que actuaban antes, durante y después del espectáculo con trompetas, violines, violas... Mientras tanto, la gente iba y venía durante el espectáculo, lo que hacía que los dramaturgos incluyesen resúmenes expositivos. Los miembros de la audiencia a veces abucheaban, les arrojaban cosas o hablaban directamente con los actores y podían comer y hablar.

Los actores formaban compañías teatrales bajo el auspicio de nobles. Tenían de doce a quince miembros e interpretaban todos los roles, dando vida a múltiples personajes en una sola obra. La actuación era algo que se consideraba inapropiado para las mujeres, debido a lo cual los hombres interpretaban los papeles femeninos. Todos los que formaban parte de la empresa desempeñaban casi todos los trabajos. Los actores estaban a cargo de accesorios, disfraces y venta de entradas. No había directores y los gastos eran sufragados por los propios cómicos.

El vestuario isabelino era elaborado, colorido y rico y ayudaba a distinguir entre las clases sociales. Inglaterra estaba gobernada por leyes suntuarias en las que las telas, los colores y los estilos de vestimenta se limitaban a clases específicas, aunque los actores de las compañías autorizadas estaban exentos de esas leyes.

Isabel I accedió al trono en 1558 y su sucesor, Jacobo I, falleció en 1625. Con Carlos I, los puritanos hicieron cerrar los teatros en Inglaterra. En 1534, el cisma anglicano impulsó el teatro secular en detrimento del religioso y una ley multaba a los cómicos ambulantes, por lo que debían adscribirse a una institución formal o casa nobiliaria, debido a lo cual se desarrolló el mecenazgo de las artes escénicas y se estimuló la formación de las compañías teatrales, algo que favorecía la construcción de sus respectivas sedes: The Swam, The Theatre, The Globe...

William Shakespeare fue su mayor gloria, pues expresó la complejidad del ser humano sin moralizaciones y rompiendo con el carácter del teatro medieval. Escribió comedia y tragedia, en prosa y verso, fue autor y actor, pero por encima de todo una persona encantadora y con un gran sentido del humor. Entre sus obras podemos destacar Hamlet, Sueño de una noche de verano, El Rey Lear, Romeo y Julieta, Mucho ruido y pocas nueces, El Mercader de Venecia...

ROMEO Y JULIETA

Una tarde de 1592, William Shakespeare representaba el papel principal; el día estaba triste y el público, bajo el formato de carniceros, comerciantes, zapateros y gente de toda condición bebía cerveza, comía nueces, fumaba sin parar y alborotaba en la planities esperando que empezara la obra. Los elegantes iban apareciendo en el escenario y se tendían sobre los juncos que en él había, mientras se gastaban bromas... En seguida se hizó la bandera y comenzó la representación: "Romeo y Julieta". El autor y protagonista de la obra aparecía en escena y - entre los múltiples comentarios - se podía oír: no es necesario ir a Mediodía para comprender lo que son las noches italianas... De repente, todo el público sintió llegar a su alma el poder del genio, pues el rayo más potente de la inspiración había dictado aquellos versos que pronunciaba Shakespeare.

El conde de Southampton, su mecenas y protector, dijo después de la función: "no se conquista el mundo sólo con las armas, desde hoy Inglaterra será una potencia literaria de primer orden. Hemos visto nacer un genio", a lo que Shakespeare respondió: "yo no he hecho nada, el sol da con sus rayos la vida al mundo entero, pero no lo sabe. Si llegase a saberlo quizá reventase de orgullo y de esa forma dejaría al universo sumido en las tinieblas".

Cuando el joven William se presentó ante el famoso Ricardo Burbage, con la pretensión de ser actor, el veterano cómico reconoció que podría llegar a ser un buen intérprete, pues tenía buena presencia, hermosa y potente voz, ademanes distinguidos y otras cualidades que lo favorecerían.

La obra es estrenó en el primer teatro de Londres, The Theatre, situado en Shoreditch (al norte de Londres) y construído en 1576. En aquellas fechas había unos ciento sesenta mil habitantes en la ciudad y nueve teatros. The Blakcfriars acogía a tres mil espectadores y al sur, junto al Támesis, la compañía de teatro llamada Los Hombres de Lord Chamberlain (de la que formaba parte Shakespeare) construyó The Globe.

Cuando William Shakespeare llegó a Londres se encontró con una urbe febril que vivía los últimos coletazos de la ejecución de María Estuardo y que rebosaba de alegría por la derrota de la Armada Invencible de Felipe II. Instalados muchos comerciantes flamencos y otros europeos, su población extranjera se duplicó, mientras Europa agonizaba con las Guerras de Religión.

Los ingleses amaban la vida, pues amplias clases más libres que nunca de la pobreza, sentían el surgimiento del espíritu y lo expresaban. Todavía no estaban encadenados al servicio de las máquinas, eran artífices y creadores y no habían caído en el puritanismo. El Renacimiento llegó al pueblo y el nacionalismo económico otorgaba mayor libertad al individuo. Gracias a la imprenta y a la lectura de la Biblia, el pueblo inglés empezó a leer como en ningún otro lugar del mundo, convirtiéndose la lectura - junto al tabaco - en el vicio nacional. No es extraño, por tanto, que también se encandilaran con el teatro.

William, con viva imaginación, el don de deleitar y un gran talento, empezó su trabajo como dramaturgo transpuntando obras, haciendo papeles cortos como actor, arreglando tragedias clásicas. Se llegó a convertir en un creador de palabras, pues se encontró con un idioma libre en el que podía inventar y crear, sirviéndose tanto del lenguaje del pueblo (que ya había asimilado los dialectos germánico-escandinavos o el franco-normando de los invasores del siglo XI), como del cultivado de los círculos más selectos. Todo ello envuelto en su genio absoluto con una destreza inigualable.

TEATRO EN ALMAGRO

"La cultura es, junto al amor, la herramienta que nos aleja de la manipulación social. Tanto una como otro deben luchar contra enormes gigantes que se empeñan en mantenernos sumidos en lo gris, en la banalidad, en el utilitarismo. Con el teatro alumbramos la parte oscura para reivindicar la luz, para apostar por un mundo mejor y, con los clásicos, constatamos que la dignidad humana es una conquista diaria" (Natalia Menéndez, Directora de la Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro).

Este año el 39 Festival de Almagro se consolida como referente mundial con datos excepcionales: ocupación del 97.7%, 65000 personas en los 25 días que dura y gran cobertura de prensa extranjera como Le Monde o The Times. En él se siguen tres líneas dramatúrgicas: el valor de la dignidad humana, la búsqueda del origen del mal y la reflexión sobre la mujer y su papel en la sociedad. Todo ello llevado a cabo a lo largo de 101 representaciones de 52 Comapañías (36 españolas y 12 internacionales).

 El Corral de Comedias de Almagro fue construido en 1628 por Leonardo de Oviedo, a partir de una remodelación del antiguo Mesón del Toro. Se levantó un tablado y en la crujías restantes, donde se ubicaba el público, se imitó el esquema de la Plaza Mayor. El patio era utilizado como lugar de acceso al resto de dependencias que rodeaban su entramado de madera. Al convertirse en "Posada de las Comedias" se aprovechó mejor el espacio.

En 1954 fue descubierto y comprado por el Ayuntamiento. Tras sucesivas restauraciones, en la actualidad funciona como teatro y acoge una intensa actividad (tanto en el Festival como en el resto del año).
A través del zaguán accedemos al recinto y llegamos al patio, lugar en el que se colocaban los "mosqueteros", hombres de clase baja y alborotadores, de pie...

El primer corredor, frente al escenario, ocupado por las mujeres, se llamaba cazuela y accedían a él por una entrada diferente a la de los hombres; la tertulia o desván era un corredor sobre la cazuela.
Los aposentos o galerías eran corredores, a modo de palco, en altura, a derecha e izquierda; el precio de la localidad era más caro que el resto (reservado a la nobleza, los Cargos Principales y los burgueses adinerados); allí se podían mezclar hombres y mujeres y era el lugar idóneo para ver y ser vistos.

El tablado era el escenario, bajo el que se encontraba la bodega, que hacía las veces de camerino de actores y daba entrada a escena a los personajes del inframundo a través del escotillón (trampilla) situado en el tablado. Los camerinos de las actrices se ubicaban tras la fachada del teatro, que servía de escenografía para la representación.
En 1955 fue declarado "Monumento Histórico Artístico" y el boom llegó en 1978 con "El Festival de Teatro Clásico Español".

Almagro alcanzó un gran auge y prosperidad gracias a los Fugger (Fúcares), banqueros alemanes a los que el emperador Carlos V les arrendó los Maestrazgos de Calatrava para saldar las deudas de unos préstamos que le habían hecho para la elección imperial.
Almagro se convirtió en su centro de operaciones financieras y comerciales atrayendo a la nobleza y al clero (palacios y conventos). En 1552 se fuandaba una Universidad Menor.
La Plaza Mayor fue construída y ensanchada progresivamente.

Ya desde la época de los Maestres de Calatrava, se cuidó la bella y ordenada planificación de la Plaza obligando a construir en soportales y galerías acristaladas corridas sostenidas por 85 columnas de piedra de orden toscano sobre las que descansan las gruesas zapatas y vigas de madera.
En el Campo de Calatrava, en el centro de la Provincia de Ciudad Real, la Plaza de Almagro (que no es "flamenca") y todo el pueblo nos envuelven en cultura, arte, tradición y sabor castellano.
¿Lo que más me gusta? pues que es un punto de encuentro entre creadores y espectadores porque el Festival apuesta por la belleza y el valor de la creación como sentido de nuestra existencia. Además, la mágica unión del público con la obra es único e intenso, se siente, se percibe, salimos de lo cotidiano...

LADY GREGORY

Lady Augusta Gregory es considerada como la reina del renacimiento literario de Irlanda y, según Bernard Shaw, la mejor irlandesa jamás conocida.

Augusta Perse (1852-1932) nació cerca del condado de Galway y fue educada en una gran casa, pues provenía de una antigua familia de aristócratas protestantes. Su niñera, Mary Sheridan, le contó leyendas e historias celtas...

En 1880 se casó con Sir William Gregory, que fue Gobernador de Ceilán (actual Sri Lanka) y con el que viajó con frecuencia hasta que se instalaron definitivamente en Londres, donde frecuentaron el ambiente culto e intelectual de la época (entre sus amigos estaban Browning, James y Gladstone).

Al fallecer su esposo, en 1892, regresó a Irlanda y se fue a vivir al oeste, a una finca de su marido en "Coole Park", en cuya casa había una magnífica biblioteca de la que sacó incalculabe información. También pudo tener contacto directo con los aldeanos y campesinos y conocerles mejor.

Empezó a profundizar en la literatura irlandesa y más tarde se haría defensora de la causa independentista de su país. Admiraba la mitología celta y tradujo al gaélico (más bien lo reescribió) los cuentos y leyendas de la antigua "Eire" (Irlanda).

Cuchulain of Muirthemne (1902), héroe mítico de Ulster; Gods and Fighting men (1904) y A book of saints and wonders (1907), recopilación de episodios e historias del folklore y de la hagiografía (historia de la vida de los santos) irlandesa.

Contribuyó a una gran divulgación de la cultura celta con un estilo influído por el dialecto de la región occidental, "el kiltartan", que conservaba todo el encanto de la tradición oral. La mayoría eran obras cortas, con enredos, ironía y ternura. Amaba el paisaje, las lluvias y las nieblas, los pálidos cielos, las iglesias y los manuscritos; todo lo irlandés, para ella, tenía un magnetismo que no era ni humano ni divino... era, simplemente, mágico.

En 1897, cuando había alcanzado la suficiente madurez, decidió promover, junto a Yeats y Edward Martyn, un teatro típicamente irlandés, enraizado en las tradiciones culturales y étnicas del país. Nacía así el "Irish Literary Theatre" que más adelante llegaría a ser el "Abbey Theatre" (Dublín). Todas esas ideas salían de las reuniones que ella hacía en su casa...

Escribió varias obras de carácter diverso; empezó por comedias breves, farsas ambientadas en el campo o en las aldeas rurales irlandesas, con personajes convencionales y estereotipados, pero llenos de vitalidad. Luego, llevó a cabo otras más comprometidas, de tono sentimental y patriótico, como The Goal Gate (1906) y The Rising Moon (1907). Lo cierto es que sigue teniendo gran influencia en el teatro contemporáneo.

Su lema, según una máxima de Aristóteles, era: "pensar como un hombre sabio, pero expresarse como la gente corriente", por eso su estilo era versátil y dúctil (en el teatro, la literatura y el folklore) para poder recuperar y revalorizar el rico patrimonio cultural de su país y otorgarle una entidad étnica reconocible.

La actríz Florence Farr, en el Abbey, interpretó como nadie, con sus increíbles inflexiones de voz, la obra de Yeats en verso que se llamaba "La Condesa Catalina". Los éxitos eran clamorosos, pero los detractores no tardaron en buscar una leyenda negra para el edificio del teatro, pues se decía que anteriormente se habían enterrado cadáveres y sus fantasmas deambulaban por allí...

Lady Gregory falleció a los ochenta años en su casa (que ya no existe) y con la inmensa satisfacción de haber llevado a cabo una aportación única a su tierra. Lo que más admiro de esta gran mujer es la capacidad de aúnar lo teórico con lo práctico y de preocuparse por la cultura con el mismo entusiasmo que por las necesidades de los más desfavorecidos, llevando a cabo teorías muy progresistas desde el punto de vista político y social.

"Amó el paisaje y su antiquísima cultura, a la gente corriente en las cabañas y en los caminos".

LA CONDESA DE VILCHES

Amalia era una aristócrata española que se casó con Gonzalo José de Vilches y Parga en 1939 y en 1945 fueron "Condes".

El cuadro, considerado la obra maestra de Federico de Madrazo, refleja la plenitud de la belleza de ella y la artística de él. Fue una amiga muy especial, incluso se podría pensar que el amor de su vida, con la que compartía sus inclinaciones hacia el arte en sus diversas manifestaciones.

Es un retrato romántico con pureza de línea, pincelada suelta, luz centrada en el pesonaje con fondo en penumbra y apenas definido, que nos muestra una expresión delicada y sutil con enorme detallismo en el traje y los complementos.

Monárquica con gran inclinación política y cultural, promovió en sus salones a artistas, intelectuales y hombres de Estado de su tiempo. Hizo colaboraciones, como escritora, en "La Revista de España" y llegó a publicar dos novelas (Berta y Lidia).

Pero lo que más me atrae de ella es su gran amor hacia la palabra en todas sus versiones. Apasionada por el teatro, llegó a montar un escenario fijo en su propia residencia. No sólo era una buena actríz, sino que también estaba dotada para el canto.

En el retrato, el pintor rompe con lo establecido y se deja llevar por la influencia francesa, consiguiendo una atracción y seducción en la mirada, en la postura y en los detalles, que convierte a la protagonista en un ser con un magnetismo irresistible debido a su elegante sensualidad.

Es la primera vez que Madrazo busca su libertad y no pone la menor cortapisa a su creatividad. Como buen romántico da un salto y va más allá de lo anterior...

Actualmente se puede contemplar en el Museo del Prado y es de esas obras que no dejan indiferente a nadie. Fue criticado, en su momento, pero lo cierto es que cuando una obra transmite "alma" es difícil que no resulte imperecedera...

A mí, personalmente, me parece una joya, una auténtica "obra de arte" que expone, con toda nitidez, la unión perfecta de la inteligencia y la sensibilidad...

Si nos fijamos, no hay una sola línea que no sea curva en toda la composición. Hasta las esquinas del cuadro fueron "redondeadas" por su autor para que nada rompiera la armonía. Son ese tipo de aportaciones originales las que convierten a cualquier obra en algo que está por encima de las demás, las que has hacen atemporales y se pueden disfrutar siempre...

PYGMALIÓN

El 11 de noviembre de 1914 se estrenó en Londres una obra de teatro cuyo título era "Pygmalión" y su autor Bernard Shaw.

Se trataba de un estirado profesor de fonética británico que conocía a una florista poco cultivada a la que pretendía, por una apuesta, refinar y enseñar a hablar correctamente en el heroíco tiempo de seis meses.

Parecía una pieza cómica, de alta comedia, divertida e ingeniosa, cuya introducción didáctica a la fonética no le hacía aburrida, sino todo lo contrario.

Sin embargo, subyacía un transfondo mucho más interesante y era que el autor, de forma muy sutil, ponía de manifiesto que, en realidad, lo que se producía era la utilización de un ser humano por otro y eso iba contra lo más sagrado.

Creo que es justo dar a conocer el dolor que le produjo, desde el primer momento, que el productor de la obra, que se empeñó en protagonizar, Tree, hiciera unos cambios sobre la misma que la desvirtuaron. Quizá, sin ellos, no hubiera tenído un éxito de público tan clamoroso, pero a los autores hay que respetarles su obra por encima de todo.

Perteneciente a la Fabian Society, grupo de personas inquietas que quería mejorar la sociedad mediante la razón y el intelectualismo, en esta obra apostaba por un final abierto, pues en la vida nada es definitivo...

 La obra constaba de un prefacio y cinco actos y en ella lo que Shaw quería manifestar era la evolución de la persona contra el estancamiento vital. Proclamaba la necesidad de una enseñanza básica para el progreso de la Humanidad. Pasaba de la mujer débil y sensiblera a la fuerte e independiente en la que la razón y los sentimientos buscaban ya cierto equilibrio. Utilizaba su británico sentido del humor como instrumento para criticar y satirizar a la sociedad y mostraba un claro antirromanticismo.

 La fonética era un tema que le preocupaba e importaba demasiado. Según él, el español y el alemán eran idiomas clarísimos, pero el inglés era tan mal hablado por ellos que ni ellos mismos lo entendían bien. Para no perder su tono de humor vamos a recordar un ejemplo que nos deje con una sonrisa en los labios:
¿Cómo se pronunciaría la palabra ghoti? pues, siguiendo las reglas:
. gh (laugh)-sonido "f"
. o (women)-sonido "i"
. ti (nation)-sonido "sh"
luego, la palabra ghoti se pronunciaría "fish"...

No olvidemos que la obra se llevó al cine y de ella se hizo una comedia musical (My Fair Lady), pero yo me quedo con la "auténtica" y con ello quiero mostrar mi respeto y admiración hacia este escritor inglés, de origen irlandés, considerado el autor teatral más significativo de la literatura británica posterior a Shakespeare y que, además de ser un magnífico y prolífico autor teatral (unas 50 obras) quiso despertar a una sociedad que necesitaba reaccionar urgentemente...

SHAKESPEARE

"Tú eres nuestro, tú eres de la Humanidad, no de un pueblo sólo; eres de los privilegiados porque penetraste en nuestros corazones. Nos has mostrado tu alma porque te olvidaste de tí mismo al ver el enorme espectáculo que te ofrecían las nuestras; nos cantaste a nosotros; tú eres nuestro porque nos has mostrado nuestras bondades y nuestras miserias".

Me atrevería a adivinar que ésto es lo que pensaría el público una tarde de 1592, cuando William Shakespeare representaba el papel principal. El día estaba triste y el público, bajo el formato de carniceros, comerciantes, zapateros y gente de todo tipo, bebía cerveza, comía nueces, fumaba sin parar y alborotaba en la "planities", esperando a que empezara la obra. Los elegantes, iban apareciendo en el escenario y se tendían sobre los juncos que en él había, mientras se gastaban bromas. En seguida se izó la bandera y comenzó la representación: "Romeo y Julieta".
Aparecía en escena el protagonista y autor de la obra y, entre los comentarios, se oía: "no ha necesitado ir a Mediodía para comprender lo que son las noches italianas..." De repente, todo el público sintió llegar a su alma el poder del genio, el rayo más potente de la inspiración había dictado aquellos versos que pronunciaba William Shakespeare.

El Conde de Southampton, su mecenas y protector, dijo después de la función: "no se conquista el mundo sólo con las armas, desde hoy Inglaterra será una potencia literaria de primer orden. Hemos visto nacer un genio".
A lo que William respondió: "yo no he hecho nada; el sol da con sus rayos la vida al mundo entero, pero no lo sabe. Si llegase a saberlo, quizá reventase de orgullo y dejaría al Universo sumido en las tinieblas".

 Éste es mi pequeño homenaje dentro de las celebraciones del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare, autor que nació y falleció el día de San Jorge, patrón de Inglaterra. Creo que, en esta magnífica persona se dieron, desde el primer momento, todas las circunstancias para decir que había llegado al mundo en el lugar adecuado y en el momento oportuno, no en vano, su pueblo natal Stratford-upon-Avon se encuentra en la zona conocida como "el corazón de Inglaterra".

Fue un auténtico creador de palabras pues se encontró con un idioma libre en el que pudo inventar, crear, sirviéndose, tanto del vivísimo lenguaje del pueblo (que tenía perfectamente asimilados los dialectos germánico-escandinavos o el franco-normando de los invasores del siglo XI) como del cultivado de los círculos más selectos. Todo ello lo supo mezclar con su genio absoluto y su destreza inigualable.

Su viva imaginación y "el don de deleitar", apoyado en su gran talento era lo que mejor le definía. Cuando le conoció Ricardo Burbage, el primer actor trágico de su tiempo, le dijo que contaba con buena presencia, hermosa y potente voz, ademanes distinguidos y otras cualidades que le permitirían llegar a ser un buen actor.

Ocho actores de la Compañía del Globe recorren 205 naciones y regresarán dentro de dos años a Inglaterra (de donde partieron el 23 de abril). En todas ellas representarán a Hamlet, tragedia que fue puesta en escena en un barco mientras rozaba la costa de Yemen y que se llevó por todo el norte de Europa. Visitarán, desde Elnisore, la ciudad portuaria danesa donde se sitúa la trama de la obra, hasta El Gran Valle del Rift, zona en la que el autor inglés afirmaba que se hallaba "la cuna de la vida".

Poeta, actor y dramaturgo, William Shakespeare cumplió su destino a la perfección, pues, como él mismo decía:" el mundo es sólo un teatro en el cual cada uno debe representar su papel".