FÉLIX BERNARDINO

 

En estos momentos, en los que todos nos estamos intentando reconstruir, el hecho de reivindicar comportamientos dignos y alabarlos es algo que nos puede ayudar a orientarnos a la hora de seguir adelante. Decía Cicerón que hay dos tipos de personas: la indocta y agreste que siempre prefiere la utilidad y la antepone a la honestidad y la humana y pulida que siempre da preferencia a la dignidad por lo que su forma de actuar debe ser reconocida y admirada. Sin lugar a duda, Félix Bernardino pertenecía al segundo grupo, con la inmensa suerte de haber tenido una mujer como Pacita, una compañera de viaje ideal y madre de sus dos hijas que le aportaba el pragmatismo que todo artista necesita para poder dedicarse a su obra.

Félix falleció el dos de marzo del 2021 y habría cumplido 96 años el pasado 26 de enero. Conociéndole, hemos pensado que le gustaría más que le recordásemos con alegría que con tristeza y por eso hemos decidido poner una de sus acuarelas en el cartel de febrero de los Paseos del Arte, proyecto en el que - como en tantos otros - participó generosa y activamente desde el primer momento y con verdadera ilusión.

Es verdad que se ha ido, que ya no le tenemos físicamente, pero también es verdad que está en nuestros corazones, que forma parte de nuestro paisaje y de nuestro paisanaje y que su obra está vigente y activa. Seguramente sin pretenderlo era un ejemplo para muchos, pues jamás dejó que nada ni nadie le desviaran del camino que él mismo se había trazado y por el que continuó hasta el final de sus días. ¿Vivía para dibujar o dibujaba para vivir?, ¡qué mas da! Se expresaba mejor con el trazo que con la palabra y en sus dibujos contaba lo que había observado con su peculiar forma de ver la vida. No controlaba el proceso, se dejaba llevar por la mano para que ésta le sorprendiera y no tenía miedo a los errores porque él no copiaba, creaba, ponía toda su alma. Mirar y fluir son innatos - decía -, pero hay que trabajar para que las musas te pillen dibujando y disfrutando.

Ejercía sobre nosotros un poder blando, término creado por el profesor de Harvard Joseph Nye para englobar en él la cultura, el arte, la historia, el pensamiento y el conocimiento científico, que es mucho más sugestivo y efectivo a la hora de influir en las personas que el poder duro (político, económico, militar). Urbanita, cosmopolita y con mucho sentido del humor, no era un gran conversador pero escuchaba como nadie. Su aspecto y actitud revelaban un buen gusto natural. Era íntegro, positivo, armonioso y extremadamente puntual y riguroso a la hora de cumplir sus compromisos adquiridos. Sabía decir no, algo que equilibraba su inmensa generosidad, pero siempre lo hacía con tacto, con delicadeza. Era lo que se dice un auténtico gentleman, ya que no tenía mala opinión de sí mismo ni de los demás. Su mundo interior era tan rico, su creatividad tan desmesurada, que no gastaba un segundo en críticas, pequeñeces o maldades...

Ciudadano digno, supo aportar valores y llevó a cabo con su arte un importante servicio a toda la sociedad siendo fiel a una frase que repetía con frecuencia: el arte salvará al mundo. ¡Felíz cumpleaños, Félix!

EL SONIDO DE LOS COLORES

Kandinsky llegó al arte abstraco - en gran medida - desde la música, que tuvo una gran incidencia en la pintura moderna en la década de 1910 del siglo XX. Se dio cuenta de que la pintura popular y la infantil representaban los objetos sin copiarlos y de que el arte árabe no necesitaba de la figura para hacer cosas bellas. Por su parte, la música provocaba la emoción por el simple juego de los sonidos, por eso en sus escritos incidió en su importancia recurriendo a intelectuales como Goethe o Delacroix que ya habían puesto de manifiesto cómo el sonido y el color impactan en el espíritu.

"El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana". (Kandinsky).


"Los violines, los profundos tonos de los contrabajos y los instrumentos de viento personificaban para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Ví todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas, se dibujaron frente a mí". (Kandinsky).

 ¿A qué suena el amarillo, rojo, azul o verde? Como sabemos, la música se capta a través del canal auditivo, se desenvuelve en la dimensión temporal y no puede ser percibida visualmente si no es por el empleo de la tecnología, pero la pintura discurre por el canal de la vista, siendo la espacialidad y la intemporalidad sus valores predominantes. ¿Qué pasa con los colores que componen esas pinturas y que nos provocan sentimientos que recorren nuestro cuerpo?

Kandinsky definió la sinestesia como un componente esencial del arte. Su pensamiento trataba de tres elementos: sonido, color y sentimiento e investigó profundamente en las relaciones consonantes y disonantes entre color y música. Los colores de sus pinturas ejercían dos tipos de reacción: la física (la visualización de la belleza de los colores agrada y dura mientras existe el estímulo) y la psicológica (conmoción emocional y desarrollo de la sensibilidad).

Y es que Kandinsky era "sinestésico", es decir que podía oír colores y ver sonidos porque experimentaba sensaciones de una fuente sensorial a partir de estímulos de otra modalidad distinta; tenía una respuesta sonora inmediata cada vez que tenía un color en su cabeza, por eso para él el color y el sonido era una unidad indisoluble y el cuadro una obra musical a componer.

Influenciado por la teosofía y el misticismo estaba convencido de que el artista puro es aquel que busca expresar sus sentimientos más profundos e ignora lo superficial. El arte que transmitiera lo esencial y estuviera vivo podría ser un remedio para una época enferma formada por una sociedad materialista, formalista y reaccionaria.

KANDINSKY

Wassily Kandinsky (1866-1944) es uno de los artistas más influyentes de la primera mitad del siglo XX y una figura clave en el arte abstracto. Fue el pintor que liberó definitivamente al arte de su función tradicional: ofrecer un reflejo de la realidad visible. A partir de él, el color se hace autónomo e independiente pues "todo se volvía claro, la descripción de los objetos perdía todo sentido, en el cuadro sólo quedaban los colores. Un abismo se abría a mis pies". "El arte abstracto se negará a pintar la realidad existente para concentrar la fuerza expresiva de la obra en sus aspectos cromáticos, formales o estructurales".

En la pintura abstracta, la obra se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y como consecuencia ya no intenta representar hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar una necesidad interior de significar. Es un proceso, una búsqueda, que a Kandinsky le llevó toda una vida. Cuando él miraba un cuadro, lo que le importaba eran los colores, la fuerza que en su combinación adquiría la obra. Viendo un cuadro de Monet, Almiar, no pudo reconocer lo pintado "y, de pronto, por primera vez, ví un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero no podía reconocerlo. Me dí cuenta de que faltaba el objeto del cuadro. Lo que tenía presente era la insospechada y - hasta entonces - oculta fuerza de la paleta".

Kandinsky necesitaba crear un lenguaje visual autónomo, en donde forma y color se conviertieran en elementos expresivos con valor propio, que nos propusieran una realidad diferente a la naturaleza. Para ello, su modelo sería la música y la autonomía de los medios expresivos que en ella se empleaba, autosustentandos y directamente conectados con la emoción. Dedicó su vida a construir una "teoría de la armonía para la pintura", una regularidad interior que deberían seguir las formas y los colores. Estudió las sensaciones y efectos que colores, líneas y todos los elementos de la imagen producen en la psicología humana: amarillo (calidez, emoción, felicidad), azul (paz y lo sobrenatural), blanco (claridad, armonía, pureza), negro (oscuridad, lo desconocido, silencio eterno; frente al blanco, que es un color que permite, el negro niega), rojo (alegría, confianza, la vida misma), marrón (rojo más negro, preludia tensión), naranja (rojo más amarillo, cálido y agradable).

En este cuadro llamado "Cielo Azul", propone una solución ascética de la escala de color. No hay formas brillantes y borrosas, hay un enorme cielo azul. Las extrañas figuras pueden llamarse criaturas, pues se mueven, se regocijan y sonríen. Hay un figura que se parece a una cometa, que se contorsiona y nos mira sorprendida. En cada figura percibimos una sonrisa y no hay rotación aleatoria; cada una por sí misma y todas juntas, flotando en el cielo azul, provocan en nosotros otra sonrisa como respuesta. La obra no es completamente abstracta. A pesar de la apariencia fantástica de los seres vivos, que se divierten a voluntad del maestro, no hay conflictos, no hay enfrentamientos, no hay agresión. Sólo un movimiento general de afirmación de la vida en el espacio  y un cielo enorme, uno para todos.

"Conquistada la madurez interior, cada artista tiene algo que decir, algo valioso, y ha de superar la mano negra que alienta el miedo a la libertad. No hay razón pura en el arte". "¿Qué deseo interior personal ha expresado el artista en esta obra? Ese es el corazón de la cuestión".

LA CALLE DE SOFONISBA

Esta convocatoria del arte postal para sensibilizar acerca de la importancia de conceder a una calle el nombre de la pintora Sofonisba Anguissola me parece una magnífica idea para la sociedad civil con sensibilidad artística y humanista. En San Lorenzo de El Escorial, lugar emblemático en el mundo entero, se puede pasar del siglo XXI al XVI o al XVIII sin la menor dificultad de espacio o tiempo, por eso el tener presente a una mujer que convivió con la reina Isabel de Valois, no sólo como dama de corte sino como su instructora en el arte de la pintura, y más tarde con las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela (hijas de Felipe II), me parece un privilegio.
Dos grandes artistas y amigos ya han empezado a colaborar con el proyecto:

Dolores Franco

 Borja Echevarría

Tanto a Dora Román (creadora de la iniciativa) como a todos los que colaboren con ella, les doy la más cordial enhorabuena por la idea. La participación de los artistas inmediata e ilusionada es la que da vida a la convocatoria y tengo la firme convicción de que es una buena forma de formentar el arte en el urbanismo. Convivir con el arte y sus artistas en la vida cotidiana favorece el arte más importante de todos, "el arte de vivir".

NUEVO AÑO

La pureza es el valor de la hemosura, de la limpieza. Es un estado en el que todo parece pulcro, sublime, lleno de motivos para ser admirado. Una persona que guarda dentro de sí la pureza es la que valora su vida, la que tiene motivos para sonreír y emana respeto. Mantener la pureza en nuestra vida y en lo que hacemos es lo que nos permite realizar cosas maravillosas por los demás y por nosotros mismos, es lo que nos impulsa a implantar la belleza en todos nuestros actos.

El arte es algo que, a veces, vemos como algo ajeno a nosotros si no somos pintores, músicos, poetas, escritores... Sin embargo, es otro valor que nos permite darle un toque de belleza a nuestra vida y a lo que hacemos cada día. Es la magia de la delicadeza y hermosura que acompaña a nuestras acciones y viene a rescatar nuestra alma de la imagen de "realismo" que la sociedad nos quiere vender. ¿Quién nos impide hacer de nuestra vida un maravilloso cuento lleno de colores y alegría? Ante el lienzo en blanco que nos presenta el Nuevo Año, el pincel está dentro de nosotros.

El valor de la sorpresa permite mantener en nuestro interior el espíritu de la curiosidad y la capacidad de reconocer cosas nuevas que nos colmen de dicha y satisfacción. Ella nos lleva a ser aventureros, a abrirnos a nuevos caminos, manteniendo la esperanza de descubrir cosas diferentes a lo que estamos acostumbrados a percibir.

Estos valores personales (entre otros muchos) son las cualidades que nos impulsan a vivir con auténtica calidad de vida y a mejorar de forma natural y espontánea. Si cada día creamos en nosotros mismos una imagen que abarque todas las perfecciones y la alimentamos, poco a poco sentiremos como nos va impregnando nuestra materia psíquica y nos vamos transformando.

Ésta es mi primera reflexión del Nuevo Año 2019 que me encanta compartir con los lectores del blog. No creo que sea el momento de grandes y ambiciosos proyectos, planes o metas, sino de ir profundizando el surco trazado a lo largo de los años anteriores y de sedimentar lo aprendido y experimentado. Las consecuencias de ello serán las causantes de empezar el año nuevo de una forma auténtica o no...
¡ Felíz 2019!

LA TERNURA

Decía Oscar Wilde que "en el arte como en el amor es la ternura lo que da fuerza" y Gandhi llamaba cobarde al que es incapaz de mostrar amor. Y es que la ternura, paradójicamente, no es blanda, sino fuerte, firme y audaz (se muestra sin barreras, sin miedo). No se trata sólo de un acto de coraje, sino de voluntad para mantener y reforzar el vínculo de una relación humana del tipo que sea. Ella hace fuerte al amor y enciende la chispa de la alegría en la adversidad. Gracias a ella las relaciones se vuelven más profundas y duraderas, pues expresa sutilmente el deseo de que el otro se sienta bien.

La ternura implica confianza y seguridad en uno mismo y sin ella no hay entrega. Lejos de ser ostentosa es elegante: escucha atenta, gesto amable, demostración de interés por el otro... sin contrapartidas. Además, cobra extraordinario valor en los momentos difíciles y es una clara manifestación de que en el amor nada es pequeño.

La ternura da belleza y sentido a la vida. Es la expresión más serena, bella y firme del amor. Es el respeto, el reconocimiento y el cariño expresado en la caricia, en el detalle sutil, en el regalo inesperado, en la mirada cómplice o en el abrazo entregado y sincero. Gracias a ella, las relaciones afectivas crean las raíces del vínculo, de la consideración y del verdadero amor y los niños obtienen de ella la fuerza emocional necesaria para su evolución. La ternura revela la excelencia del ser humano a través del cuidado y del respeto.

Es un verdadero drama que, en la sociedad actual, sea una palabra que ha perdido su auténtico significado y se la confunda con la sensiblería o la cursilería. A mucha gente le da miedo pronunciar esa palabra por temor a quedar como un blandito o un trasnochado y, sin embargo, yo pienso que hay que volverla a poner en valor y ejercitarla lo más posible; sólo así conseguiremos que las relaciones humanas se enriquezcan y se fortalezcan, que sean reales y duraderas gracias al cuidado, al tacto y a la delicadeza.

NUESTRO PRIMER PASEO DEL AÑO

Desde aquí quiero dar las gracias a todos los "paseantes" que están y se van uniendo a los Paseos del Arte. Ayer, llevamos a cabo nuestro primer paseo del año que acabamos de estrenar y, aunque en un principio había un poco de sol, cuando ya estábamos dentro del Convento del Monasterio, vimos que empezaba a nevar... El espectáculo era grandioso, de una belleza absoluta, era experimentar El Escorial en estado puro.

El Padre Isidro de la Viuda nos recibía con los brazos abiertos para dedicarnos dos magníficas horas llenas de generosidad y buen hacer (yo diría de "excelencia"). Con él pudimos ver, desde dentro, la vida de la Comunidad Agustiniana mientras nos explicaba todo lo que iba saliendo al paso (que era mucho...).
No voy a hacer una crónica, pues la filosofía de los Paseos es experimentar en vivo y en directo y también aclaro - una vez más - que no se trata de una visita guiada, sino de una escritora que comparte su punto de vista con los lectores. Todo es gratuito, libre, sólo hay que asistir a la cita que se señala en los carteles: el primer sábado de cada mes, a las 11 de la mañana, en el kiosco de libros "El Molino de Papel", c/Flroridablanca, 1 (San Lorenzo de El Escorial). Es una iniciativa cívica y voluntaria basada en el respeto y la buena educación.

Cuando al que tiene la cualidad se le presenta la oportunidad el éxito de cualquier proyecto está asegurado. Los paseantes y yo formamos un equipo winner-winner (ganador-ganador) pues ambas partes disfrutamos de verdad con lo que hacemos, cada uno desempeña su papel lo mejor que puede. Hay algo superior a nosotros, el "Arte", que nos une, nos aglutina y nos proporciona bienestar.
Tenemos logo, gif e himno (la canción de "resistiré"); grandes artistas-amigos colaboran llenos de ilusión al aportar su obra para los carteles, que sirven para adornar el mobiliario urbano (la gente los espera todos los meses con expectación) y para que todos nos vayamos conociendo de forma natural.

Creo que la palabra que mejor define lo que tenemos entre manos es "entusiasmo", algo que nos renueva y nos mantiene activos. Es un placer para mí decir que estamos ¡en marcha!

La primera imagen pertenece a Félix Bernardino y la segunda a Diego Hergueta con la silueta de Borja Echevarría.

MI NUEVO LIBRO

Mi aprendizaje como escritora ha consistido en ver cómo la gente puede aceptar algo que yo amo. La relación entre el lector, el texto y el autor es - sobre todo - de amor. Para escribir un libro tienes que enamorarte de él y pensar en seducir al lector, sólo así lograrás que uno y otro no se distancien de tí.

La comunicación auténtica entre el lector y el autor es satisfacitoria para ambas partes. Con permiso de quien me lo ha escrito, voy a transcribir el primer comentario que he recibido hoy mismo de uno de mis lectores (que además es muy buen amigo):
...iba pasando las páginas sosegadamente, saboreando cada una de ellas e imaginando vivir en aquellos tiempos. Como siempre una delicia para añadir a la colección. Es un placer leer tus libros y se aprecia el cuidado, la pasión, el cariño y el esmero que pones en el empeño que queda patente en el primoroso resultado final. Sé el esfuerzo que ello representa y justo es reconocer y gustosamente poder expresarlo. "Las cosas bien hechas bien parecen". Besos. Pepe Armengol.

Es una placer para mí manifestar, una vez más, que el lector crea "arte" incitado por el autor. El texto del libro es un espacio que crea una relación única entre sujeto y espectador teniendo como elemento común el lenguaje. El libro sabe esperar hasta que alguien lo abre y - una vez producido ese milagro - jamás se perderá la magia que transmite la palabra escrita.

Decía Borges: " La gran diferencia entre escritor y lector es  que el escritor escribe lo que puede y el lector lee lo que quiere".

LA REVOLUCIÓN DE LA ESPERANZA

Este cuadro es un autorretrato de una mujer a la que admiro mucho: Cristina de Jos´h. Con una gran inquietud artística, ha sabido canalizar todo lo que lleva dentro, a lo largo de los años, de una forma sabia (con inteligencia y sensibilidad).
Siendo muy joven, empezó realizando muñecos de trapo únicos y especiales; más tarde, se interesó por el diseño textil y la ropa del hogar, con líneas personalizadas y confeccionadas de forma totalmente artesanal. No se paró ahí, sino que se lanzó a escribir libros y a pintar cuadros... y, en todo lo que emprende, alcanza el "éxito".

¿Por qué? Porque ama la vida y se ha lanzado a todas sus empresas con amor, con coraje y con esperanza. Pero, ¿qué es la "esperanza"? pues la esperanza es un talante, un estado, una forma de ser, una disposición interna, un "estar listo para actuar".
Los ingleses hacen una diferencia interesante entre activeness (actitud o estado anímico) y activity (actividad): la espera no es pasiva, sino estar preparado en todo momento para que lo que todavía no ha nacido, pero está en condiciones de hacerlo, nazca.
La esperanza está enlazada con la fe, la fortaleza y la compasión. La fe es la convicción de que lo que se está gestando como una semilla brotará en el momento adecuado; es el pilar de la esperanza, su base. La fortaleza es el coraje de vivir, lo que nos hace vencer la tentación de comprometer la esperanza y la fe convirtiéndolas en un optimismo vacío, hueco, insustancial o una fe irracional. La compasión (sentir con), como la ternura o el amor, es un sentimiento exquisito que nos lleva a interesarnos por todo lo que nos rodea (interés: ser entre).
Según Erich Fromm, la base del amor, la ternura, la compasión, el interés y la responsabilidad es la de "ser versus tener": me vacío mi yo, me empobrezco para volverme rico.
Cristina, con su talante vital, nos muestra que los cambios sí son posibles y que las buenas ideas que llegan al corazón tienen un gran poder pues son capaces de crear entusiasmo y dedicación.
Es un ejemplo a seguir entre tanta gente aburrida, pasiva, insensible, extremadamente racionalista y un verdadero antídoto contra la depresión, la despersonalización, la indiferencia ante la vida...

MODEL VILLAGE

En pleno corazón de los Costwolds (Inglaterra), existe un pueblecito en miniatura (escala 1/9º) que reproduce el pueblo al que pertenece: "Bourton on the water". Me encanta porque es un claro ejemplo de la habilidad y destreza con las que los ingleses mantienen sus tradiciones, las cuidan, las miman y las hacen rentables atrayendo gran cantidad de visitantes que enriquecen la zona y la dan a conocer "all over the world".

El propietario de una antigua posada tradicional de 1712, "Old New Inn", tenía dos casas unidas que, en la actualidad, se han convertido en dos bares: uno grande, con terraza y juegos para niños y otro patio delantero para sentarse al aire libre.
Es en la parte trasera donde se halla "Model Village" (el pueblecito) en cuya creación intervinieron cinco artesanos utilizando la piedra caliza de la zona y los materiales más adecuados. Les llevó cinco años.

Fue oficialmente inaugurado en la Coronación de Jorge VI y de la reina Isabel (la reina madre) en 1937.
Y es que, no sólo su arquitectura y urbanismo son una maravilla, sino que sus árboles (tipo bonsai) están cuidadosamente podados para mantenerlos a escala. Mr. John Constable (Paisajes en Miniatura) les asesora.
Callejeando, como si se estuviera en un cuento, se puede oír a través de las ventanitas de una de sus históricas iglesias un canto coral que emociona. Me imagino a Alice in Wonderland...

Las aguas del río Windrush pasan por debajo de sus cinco puentecitos de piedra.
Todo está hecho con tal perfección que no hay un sólo detalle, por mínimo que parezca, que no esté cuidado al máximo.
Poder mostrar al mundo su estilo de vida, es uno de los mayores orgullos para el pueblo inglés, pues es lo que les hace diferentes y peculiares.
Siempre me ha encantado la naturalidad con la unen la naturaleza y la vida cotidiana. Para ellos, el jardín es la continuación de la sala de estar.

Os lo recomiento fervientemente, nada más genuino que esta pequeña obra de arte para acercarse de verdad al alma de Inglaterra.

CUCA ARSUAGA

Recibo, llena de emoción, esta invitación de mi querida Cuca, hija de mi gran amiga Isabel Acaso, y no puedo evitar recordar cómo y cuánto me hablaba de ella su madre cuando yo aún no la conocía porque estaba en Barcelona. La noto muy ilusionada por volver a su ciudad de origen y con la satisfacción de haber llevado a cabo una trayectoria muy interesante, pues lleva ya tres años y medio exponiendo (en 27 ocasiones) en las Comunidades Autónomas de Madrid, Castilla-León y Valencia y todas con éxito.

Jamás olvidaré con qué cariño me brindó este maravilloso cuadro de San Lorenzo de El Escorial, para hacer el cartel de mi tercer libro. Es el pueblo en el que vivimos y en el que tenemos nuestros (escasos pero intensos) encuentros. Aquí tiene su Estudio y aquí es donde vive y trabaja muy cerca de su numerosa y entrañable familia.

 Me parece oportuno recordar algunas frases de Gaudí:

. "Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor; segundo, la técnica".

. "La gloria es la luz, la luz da gozo y el gozo es la alegría del espíritu".

. "La belleza es el resplandor de la verdad y como el arte es belleza, sin verdad no hay arte".

. "La arquitectura es el pimer arte plástico; la escultura y la pintura necesitan de la primera. Toda su excelencia viene de la luz. La arquitectura es la ordenación de la luz".

. "La originalidad consiste en volver al origen".

Estoy convencida de que nos brindará una obra impregnada por el pensamiento del genial arquitecto.

. lugar: Ronda de Barcelona (espacio cultural)
c/ Consell de Cent, 382
Barcelona

LE MARAIS

 Le Marais (la marisma) es el distrito cuarto de París y uno de los más antiguos, pues fue el barrio residencial de la nobleza antes de la Revolución Francesa (1789).  En el centro, se halla la "Place des Vosges", de perfecta simetría y uno de los más hermosos reductos de la ciudad. Allí se encuentran el Museo Sully o la casa de Víctor Hugo, así como el Pabellón del Rey y sus cuatro fuentes. Tiene mezcla de lo antiguo con la funcionalidad de lo moderno en pleno centro de la ciudad.

El conjunto arquitectónico fue creado en 1605 por Enrique IV; está enmarcado por pabellones de ladrillo con tejados de pizarra. Son preciosos los jardines del palacio gótico-renacentista (de Sens) donde actualmente se encuentra la Biblioteca de Arte Forney.

Calles de adoquines serpentean la vertiginosa maraña de patios escondidos, provocativas galerías de arte y coloreadas panaderías. La cuidadosa estética del barrio, con ventanas pintadas y antiguas reliquias, no es fruto del azar, sino la consecuencia de la población judía que lo ha habitado durante mucho tiempo.
No en vano fue el primer lugar donde se instalaron los comerciantes y artesanos después de que la nobleza tuviera que huír de allí...

Los domingos, los parisinos van al Marais para retomar la vida lenta que añoran y poder paladear el dulce deambular. Se pueden tomar un buen desayuno, pasear por sus rincones, perderse en sus tiendecitas y disfrutar de una gran belleza. Es recordar París en todo su esplendor, y los franceses se caracterizan por conocer, profundizar y amar su Historia.
El barrio es bohemio, artístico, cosmopolita y, al mismo tiempo, un pequeño reducto de vida provinciana. La gente que vive allí se conoce y tienen sus charlas de vecindario (algo que lo convierte en un lugar humano y ameno).
Fue en los años 60 cuando se produjo su verdadera restauración y se llenó de museos, cafés, restaurantes, galerías de arte, cabarets... Allí está el Beaubourg (Centro Pompidou) de corte radicalmente moderno y vanguardista.
La Rue des Rosiers es una de las más antiguas de París y en ella la mezcla y los constrastes son muy interesantes.
En el Museo Carnavalet podemos contemplar toda la historia de la ciudad.
Las galerías de arte ocupan la mayor parte de los bajos junto a tiendas de ropa vintage.

Por muy sorprendente que parezca, todavía hay gente que lleva a arreglar su paraguas o sombrilla a uno de los mejores artesanos del tema.
La vida lenta, el andar parsimonioso, "la joie de vivre", la sensación de haber viajado en el tiempo... todas esas cosas son los ingredientes que dan como resultado un lugar que merece ser visitado y vivido.

LA COLECCIÓN PHILLIPS

Cuando el joven crítico de arte, Duncan Phillips, visitó en 1911 (con 25 años) el Museo del Prado comenzó a forjar su sueño de aunar el pasado y el presente del arte en su propio Prado americano en la ciudad de Washington. Llegó a deslucir a la National Gallery de Londres, pues mientras ésta contaba con 2500 piezas él llegó a la cifra de 4000. Y fue a finales de 1918 cuando concibió un museo para la capital estadounidense, cuando todavía no existía un ente pictórico lo suficientemente atrevido como para superar el referente clásico de la pintura. Y así, en 1921 nacía "The Phillips Memorial Art Gallery", el primer museo de arte moderno de Estados Unidos que, con motivo de su 95 aniversario, ha querido visitar Roma, Barcelona y, ahora, Madrid (la Caixa Forum mostrará hasta el 23 de octubre una muestra de sesenta obras procedentes de la prestigiosa Galería Phillips).

Podemos ver pintores impresionistas y modernos a través de las 60 obras de 44 artistas en seis ámbitos temáticos mientras realizamos un paseo por la historia de la pintura; 175 años que reflejan la evolución de este bello arte desde el siglo XIX hasta bien entrado el XX, desde el Romanticismo y clasicismo hasta el arte contemporáneo.
Éste cuadro, de Pierre Bonnard, es un ejemplo claro de la sensibilidad de Duncan. En medio del cubismo y el surrealismo, el trabajo de Pierre tenía una tensión entre la placidez y el onirismo; en él había sugerencias, veladuras y audacia en la composición. Al mismo tiempo que era pintor de taller, trabajaba en una agencia de publicidad y fue el primer pintor que salió a la calle con una máquina de fotos (memorables sus retratos con cámara de Monet y Renoir).

Movido por el instinto de captar nuevas promesas del arte, Duncan empezó a coleccionar cuadros de la década de los años 20. Con el nacer de las vanguardias y poco tiempo después de fallecer Modigliani consiguió, en 1949, el retrato de "Lena Povolozky".
El apasionado coleccionista era nieto de uno de los primeros magnates de la industria de acero y supo invertir el dinero heredado con la misma destreza que si se tratara de una importante empresa.
Había conocido a la pintora Marjorie Acker en una exposición en el año 1921, reconociéndose en el acto como almas gemelas y casándose ese mismo año. Juntos visitaron Europa y en 1923 surgió, en Francia, el flechazo con lo impresionistas. A Marjorie le gustaba pintar para celebrar la maravilla del mundo y, según su marido, "era una artista luminosa y rítmica cuyos paisajes eran como figuras; ella había nacido, sin duda, para pintar". Ella fue la que más le impulsó para que la Galería fuera de vital importancia para el arte contemporáneo de hombres y mujeres.

Kennet Hayes Miller era una de las pintoras americanas con una gran originalidad creativa y sincera independencia;  mostraba a las mujeres de su tiempo tal y como eran, sin adornos ni ensoñaciones y participó activamente en los encuentros que Duncan hacía con los artistas.
Más que un simple "marchante de arte" era amigo de los pintores y consiguió que su museo fuera como una especie de centro de investigación para que, sin la barrera del tiempo, los artistas pudieran aprender unos de otros y de sus antepasados. Era una forma novedosa de entender el mundo del arte, dinámica y divertida, en la que la ilusión era el motor de todo lo demás. Coleccionando cuadros aprendió y su gusto fue evolucionando pasando de un conservador simbolismo comprensible a considerar que "el deber del mecenas es estar atento y mostrarse abierto de miras alentando a los creadores arriesgados e innovadores prestándoles ayuda y colaborando en sus esfuerzos".

 Me parece importante recordar a Marjorie, en este autorretrato, porque la Colección Phillips no hubiera sido lo mismo sin ella. Fue una pareja que formó un buen equipo, audaz, joven y con coraje. El arte actual tiene mucho que agradecerles y os sugiero dar una vuelta por la Caixa, merece la pena...
 

MIRAR LA PINTURA

La mirada se convierte en un acto transcendente cuando se funde la contemplación y la estimación, el juicio espontáneo y el sentimiento. En "la mirada" lo contemplado y el contemplador se fusionan dando lugar al momento que justifica la tarea del creador de la obra de arte.
El "arte" no reproduce la naturaleza sino que la interpreta y en la búsqueda de esta interpretación reside el arte, no en la aplicación de una servil y vana copia.
Ver no es tratar las cosas sino de manera utilitaria, pero "mirar un cuadro" es otra cosa...
En su contemplación, hay que aislar los demás sentidos y centrarse en el de la vista, como el melómano cierra los ojos para escuchar bien una melodía. Permitiremos así al sentido de la vista la captación de la imagen dejando que los estímulos visuales se fundan libremente en nuestro interior despertando toda una gama de emociones y sentimientos que la percepción ponga en marcha.

El autor de este cuadro es Philip Wilson Steer (1860-1942), uno de los primeros impresionistas británicos que se fue a París a estudiar en la muy conocida Academia Julian; en la ciudad de la luz, conoció y admiró a Monet y a Degas (entre otros). En 1884 volvía a Londres con aires renovados y fue uno de los miembros fundadores del prestigioso "Club Inglés del Nuevo Arte". Sus magníficos cuadros se pueden ver en la Galería Tate, en el Museo Británico, en el Victoria y Alberto y en numerosas colecciones privadas de Londres.

Hago este pequeña reflexión porque compruebo un poco asombrada como la cultura, en general, se está convirtiendo en un objeto de consumo y se da más importancia a la cantidad que a la calidad. Es imposible ver cuadros, en el lugar que sea, yendo al trote y sacando fotos. La contemplación es un arte en sí mismo y requiere una pequeña preparación para poderlo apreciar en toda su dimensión.
¿Por qué la gente siempre tiene prisa?, ¿qué es lo que le espera con tanta urgencia?, ¿no es posible sosegarse, de vez en cuando, para no perder uno de los mayores placeres? Me estoy refiriendo al "placer estético".

EFFIE GRAY

Effie Gray era una joven de la alta sociedad que se casó con John Ruskin en Escocia en 1848.  A pesar de que los padres del novio estaban contentos con Effie y conocían a su familia, no acudieron al enlace matrimonial por el enorme disgusto que les daba su único hijo dejando el hogar paterno. Lo habían tenido a una edad avanzada y estaba superprotegido. Su posición muy acomodada de ricos comerciantes había servido para estimular al joven John su pasión por el arte, la literatura y los viajes, pero el hecho de que los abandonara era difícil de superar...
 La seducción, por parte de él, antes de la boda, fue a través de cartas y poesías en las que hablaba a su enamorada de su belleza e infinitas cualidades. Ambos habían caído en un espejismo estético (más que amoroso), pero pronto la realidad rompió todo el encanto cuando llegó la noche de bodas y él vio el primer desnudo de su vida. Tenía "una noción infantil de la feminidad, mitad gatito, mitad reina de las hadas" y se negó a consumar el matrimonio huyendo aterrorizado...

Ruskin era el crítico de arte más importante de Inglaterra, además de escritor y sociólogo. Se le llegó a considerar un auténtico "Maestro Estético". Introdujo  el neogótico en Inglaterra, fue paladín del Prerrafaelismo y el descubridor de William Turner, a quien le dedicó un ensayo.
Muy influído por los Socialistas de Sheffield, como su amigo Morris, fundó la Company of St George para la mejora social y artes útiles (ornamentales), pues pensaba que había una estrecha relación entre la moral y el arte.

Cuando habían pasado ya cinco años y convivían como compañeros (no como matrimonio) el pintor John Everett Millais (prerrafaelita) pidió a Effie que posara para un cuadro, que tuvo un gran éxito. Mientras posaba, se llegaron a hacer grandes amigos y ella le fue contando sus intimidades. La presión de los padres de Ruskin (para que ella no interrumpiera el ascenso de su hijo a todos los niveles) y las continuas cartas de amor de su marido cuando no estaba en casa, provocaban a Effie un desgaste psicológico y eomocional que le estaban destruyendo la salud y el buen humor del que siempre había gozado...

Después de grandes problemas Effie consiguió la anulación matrimonial, alegando la  impotencia de su esposo, y rompió con las convenciones victorianas. Se casó con Millais y tuvieron ocho hijos, lo que, paradójicamente, fue muy bien aceptado por la sociedad pues, incluso, frecuentaban a la familia real. Quizá, era una forma muy sutil de castigar y doblegar al "contestatario Ruskin" que tanto removió los más sólidos cimientos del arte, la política, la sociedad y el gusto victorianos...

OSCAR WILDE

Viendo esta estatua de Oscar Wilde en el Merrion Square Park de Dublín, me he preguntado muchas cosas acerca de su vida en al ciudad en la que nació, pasó su infancia y se formó.
Sin ser de la alta sociedad, su familia gozaba de prestigio y era mentalmente avanzada para la época. Su padre fue un famoso médico y su madre, Joana Elgee, una mujer muy interesante y que amaba profundamente a su país, Irlanda, por el que luchó toda su vida.

Tenía un hermano mayor, Willie y una hermana menor que falleció cuando ella cumplió los nueve años, pérdida que lady Jane (su madre) jamás pudo superar.

Pasaron una infancia feliz, como otros niños de su edad, y jugaban mucho al aire libre, en el parque cercano. En su casa no se seguían las estrictas e inflexibles pautas de la educación victoriana, sino que se respiraba una mayor libertad; todos gozaban de un frinísimo sentido del humor...

Estudió primero en Portora Royal School y luego en el Trinity College, donde destacó por su inteligencia, agudeza, ingenio e ironía, lo que le convertía en un magnífico conversador.

A los 20 años se fue al Magdalen College (Oxford) donde se graduó y remató un sólida formación humanista. Admiraba a John Ruskin y Walter Pater, que defendían la importancia central del arte en la vida. A finales del siglo XX, aparecieron los "esteticistas" y su obsesión por la belleza. Defendían "el arte por el arte", sin ataduras morales o religiosas. Oscar Wilde tuvo una reacción artística contra el corsé moral de la era victoriana. Ante una sociedad demasiado pragmática y rígida, el relax y la devoción por lo hermoso era una auténtica provocación ("lo más importante de todo es el placer que produce la belleza").

Oscar se convirtió en el gurú de los extravagantes y glorificador de la juventud, que inspiraba un estilo de vida al completo (dandismo). Pensador y libre tuvo que soportar las consecuencias de ser diferente, igual que le había ocurrido a su madre, quien con el pseudónimo de Speranza se sirvió de las letras para protestar contra el yugo del imperio británico; sus textos nacionalistas invitaban a la independencia de Irlanda por lo que fue perseguida por los conservadores. Ayudó a recopilar cuentos tradicionales irlandeses y se la llamaba "la Esperanza de la Nación", pues fue una gran defensora de la educación y, sobre todo, de las mujeres. Ella fue quien organizó una fiesta en la que Oscar conoció a la que sería su esposa...

MECENAS

Augusto, en el centro de la imagen, fue el fundador del Principado de Roma y una de las figuras más populares. Nació en tiempos de crisis y vivió el asesinato de César, a quien sucedió. Con gran inteligencia supo instaurar un nuevo régimen político y concluyó con las guerras civiles. Todo lo que hizo, que fue mucho, estuvo marcado por su signo de indentidad: sencillez y austeridad.

A su derecha, Agripa, reconocido militar que permaneció junto al emperador Augusto desde que tenía 18 años; se casó con Julia, su hija mayor, y construyó el Panteón, pues era arquitecto y una gran amante del arte. Fiel consejero de su amigo hasta el final.

A su izquierda, Mecenas, el otro amigo y consejero de Augusto que puso las artes al servicio del Principado, creando un vehículo de propaganda sin precedentes en la Historia. Leía y corregía los discursos del emperador consiguiendo que dulcificara y humanizara su política.

Patrocinó con su riqueza y poder a los grandes literatos de Roma y, sin su ayuda, es posible que algunos de los versos más bellos de la literatura no hubieran visto la luz.

Era el contrapunto de Agripa, pues tenía debilidad por el lujo y la fastuosidad e iba engalanado con joyas y seda. Se ceñía la túnica sobre las rodillas dejándola suelta hasta los talones, como las enaguas de una mujer y se cubría la cabeza con un manto o pallium cuando presidía algún tribunal.

Se hizo construir una magnífica residencia en el Monte Esquilino donde celebraba fiestas y banquetes para atraer a los mejores artistas. Le gustaba conciliar el sueño al son de música lejana tocada por músicos escondidos entre la vegetación exhuberante de sus jardines.

Aficionado a la música, al teatro, a la poesía y a la literatura, se rodeó de los principales escritores de Roma, como Horacio, Virgilio y Propercio, pues era consciente de que un simple poeta como Catulo había perjudicado seriamente la imagen de Julio César con acusaciones maliciosas. Convenció a los de su círculo literario para que cantaran las alabanzas del fundador del imperio y el ejemplo más claro está en "La Eneida" (Virgilio).

"Vivir sin amigos no es vivir" (Cicerón). Esta frase es un claro ejemplo de lo que ocurrió entre estos tres grandes hombres de la época más apasionante de la Historia.

Augusto, Agripa y Mecenas aúnaron esfuerzos, a pesar de sus enormes diferencias, y se apoyaron mutuamente en todas las decisiones (bélicas, políticas y artísticas). Formaban una agrupación perfecta para gobernar que hizo que Roma llegara a ser la primera potencia mundial de su tiempo.

El Renacimiento fue el momento de esplendor de los nobles que realzaron la Historia del Arte y la Arquitectura. El mecenazgo fue llevado a cabo con gran generosidad lo que dio un impulso inconmensurable a la cultura.

En la actualidad, el término Mecenas se utiliza para designar a una persona que patrocina las artes y las letras. Este humanista dejó su nombre como marca registrada para todos aquellos que juegan con el favor del arte, acortando la distancia entre el sueño y lo posible, en proyectos públicos y privados.

"Insomne en la vigilancia y en la emergencias del Estado, clarividente en sus reacciones, pero en los momentos de ocio más suntuoso y afeminado que cualquier mujer" (Horacio).